8月30日的徐汇西岸，江风携夏末余热，波光与灯火糅成流动的画。随着郎朗的指尖落琴，《爱乐之城》的旋律顺着江面漫开，瞬时点燃气氛——此时，音乐成了所有人共通的语言。
这不仅是一场即兴的街头演奏，这一天，更是“郎朗音乐世界”正式落户徐汇西岸的日子。从指尖跃动的旋律到落地生根的音乐教育空间，郎朗将对古典音乐的热爱与坚守，深深扎根在了这片兼具艺术气息与科技活力的土地上，也勾勒出古典音乐融入当代生活的新图景。
音乐不是孤立的
上观新闻：您在西岸的开放空间演奏《爱乐之城》时，现场观众的投入度远超预期。选择把“郎朗音乐世界”落在这里，应该不只是因为西岸的人气，更有对音乐教育场景的深层考量吧？
郎朗：真正吸引我的是西岸“艺术与生活共生”的氛围。现在很多音乐教育机构把自己关在封闭的琴房里，孩子学琴就像完成任务，很难感受到音乐和生活的联系——但西岸不一样，这里有龙美术馆、余德耀美术馆，还有绵延的滨江步道。孩子来学琴时，下课后能沿着黄浦江散步，听江风，看晚霞，这种“沉浸式”的艺术环境，能让他们从心里觉得音乐不是孤立的。
我之前常来西岸，来这里，脑子里会不自觉蹦出几段旋律——音乐创作需要灵感，而自然与艺术交织的环境就是灵感最好的土壤。我们把琴房、演奏厅放进这样的空间里，就是想让孩子们觉得学音乐是一件轻松的事，而不是走进一个严肃的“考场”。能在这样的地方落户，对我们来说是幸运，更是责任。
上观新闻：西岸的“艺术与生活共生”，这种氛围确实和传统音乐厅的严肃感形成反差。“郎朗音乐世界”会不会特意弱化教学感，强化生活感？
郎朗：我们在空间设计上最核心的理念就是“无边界”——打破琴房与公共空间的隔阂，让音乐能自然地“流”出来。比如一楼我们设了一个开放式演奏区，没有舞台，就放一架白色钢琴，不管是学生、老师，还是来参观的市民，只要想弹，都能坐下来弹一曲。
还有二楼的音乐体验区，我们没放传统的乐理挂图，而是做了互动屏幕——孩子能看到音符对应的钢琴键发光，还能听到不同乐器演奏这个音符的声音。我们想让孩子觉得，音乐不是需要坐在课桌前学的知识，而是能摸得到、听得见、玩得起来的乐趣。
上观新闻：西岸本身有很多艺术机构，比如美术馆、剧场，“郎朗音乐世界”会不会和这些机构联动，打造“音乐+”的融合体验？
郎朗：单一的艺术形式容易让人审美疲劳，但不同艺术之间的碰撞，能让孩子更全面地理解“美”。我一直觉得，艺术是相通的。一个孩子如果只学钢琴，可能只会关注是否弹对了音符，但如果他接触了绘画，就会懂得如何用指尖表达色彩感；接触了戏剧，就会懂得如何用演奏传递角色情绪。西岸有这么好的艺术资源，我们一定要把这些资源整合起来，给孩子打造一个全方位的艺术成长环境，而不只是一个钢琴培训班。
热爱先于技巧
上观新闻：家长送孩子学音乐芝麻配资，出发点各不相同。您觉得艺术教育最该坚守的核心是什么？
郎朗：核心肯定是“热爱”，没有热爱，一切都是白搭。我见过太多孩子，一开始学琴学得好好的，后来因为家长逼得太狠，反而讨厌音乐，甚至看到钢琴就害怕——这太可惜了，本来音乐是给人带来快乐的，结果变成了负担。
我儿子现在4岁多，特别喜欢唱歌，一首儿歌能没完没了地唱，旋律记得比我还准。但你让他坐下来弹钢琴，他根本坐不住，一会儿要去玩玩具，一会儿又要画画。不过，他会主动跟我说“爸爸，我想弹出你那样的声音”，这说明他有兴趣，只是还没到能专注学琴的阶段。我不会逼他，要是现在就把他按在钢琴前练琴，说不定他以后就不喜欢音乐了。
学音乐就像打游戏，为什么孩子愿意打游戏？因为能从中获得快乐，过了一关想过下一关。学音乐也得这样，先让孩子感受到快乐。比如弹一首简单的《小星星》，让他觉得“我能弹出好听的声音”，这种成就感才是坚持下去的动力。
现在很多家长的误区是急功近利，刚学半年就问“什么时候能考级”“什么时候能上台演出”，根本不管孩子喜不喜欢。其实学音乐不是为了考级，也不是为了以后当音乐家，而是为了让孩子多一种表达情感的方式，多一份精神寄托。就像有的人喜欢跑步，不是为了拿冠军，而是为了享受奔跑的快乐——音乐也该是这样。
上观新闻：您说音乐教育要因人而异，毕竟每个孩子的性格、天赋都不同，您心中理想的音乐教育体系是怎样的？
郎朗：完全理想的教育体系很难有。正如你说的，每个孩子都是不一样的。有的孩子内向，不爱说话，但弹钢琴的时候特别投入，这种孩子就不能逼他上台表演，得先让他在音乐里找到自信，再慢慢引导他表达；有的孩子外向，喜欢表现，但弹琴的时候容易浮躁，就得让他沉下心来，感受曲子里的细节。
我们的教学方法，首先是“轻量化”，不会让孩子死记硬背乐理，也不会每天逼他们练几个小时。比如教小一点的孩子，会用游戏的方式教他们认音符——把do、re、mi做成卡通卡片，让他们在玩的时候记住；教他们弹简单的曲子，会先讲曲子里的故事，比如弹《卖报歌》，先跟他们说旧社会卖报小孩的生活，让他们带着情感去弹。
另外，我们特别注重“全面性”，不希望孩子只当个弹琴机器。除了练琴，还会让他们听不同风格的音乐，比如古典、爵士、民族音乐；会带他们去听音乐会，让他们感受现场氛围；甚至会让他们尝试作曲，哪怕只是写一段简单的旋律。音乐是活的，要是只盯着技巧，弹出来的曲子也是死的。就像贝多芬的《月光奏鸣曲》，不是只弹对音符就行，得弹出那种“月光洒在海面上”的意境，这需要孩子有感受力、有想象力，而这些不是靠死练能练出来的。
上观新闻：您的学校会针对留守儿童、自闭症儿童开展公益音乐教育，为什么会关注这些特殊群体？在教他们的过程中，有没有让您印象深刻的事？
郎朗：艺术是公平的，这点在这些孩子身上体现得最明显。不管是留守儿童，还是自闭症儿童，在钢琴面前，他们都是平等的——弹得好就是好，弹得不好也没人会苛责，音乐不会因为他们的家庭背景、身体状况就区别对待。
我记得有个自闭症小孩，一开始根本不跟人交流，也不愿意碰钢琴。我们的老师没逼他，只是每天在他面前弹《小星星》，弹了一个月后，他突然伸手碰了碰琴键，发出了“do”的声音。从那以后，他每天都会主动来练琴，虽然话还是少，但弹钢琴的时候，眼睛里是有光的。还有个留守儿童，跟着爷爷奶奶生活，家里条件不好，但他特别有天赋，练琴特别刻苦，现在已经能弹《牧童短笛》了。这些孩子让我觉得，艺术教育不是精英教育，每个孩子都有享受音乐的权利，我们要做的就是给他们一个机会，让他们能触摸到钢琴，感受到音乐的美好。
我们的公益课有个规矩：每个孩子都必须动手弹，不能只坐着听。因为光听是没用的，只有自己弹出来，才能真正感受到音乐的力量。就像喜欢足球，就得自己上场踢两脚，才能知道奔跑的快乐；喜欢音乐，就得自己弹出旋律，才能知道指尖传递的情感。对这些孩子来说，音乐可能不能改变他们的生活现状，但能在他们的心里种下一颗种子，让他们在难过的时候、孤独的时候，有一份精神寄托。
古典音乐也可以“潮”
上观新闻：这些年您尝试了很多跨界合作芝麻配资，比如和电影、娱乐行业合作，甚至出了跨界专辑。做这些尝试，是不是为了让古典音乐更“接地气”？市场对跨界的接受度如何？
郎朗：对，跨界确实是为了让更多人接触古典音乐。现在的年轻人获取信息的方式太多了，要是还守着“只有音乐厅里的才是古典音乐”的想法，只会把他们推得越来越远。所以我想试试，能不能把古典音乐放进他们熟悉的场景里。比如，《爱乐之城》里的旋律，很多年轻人都听过，我在西岸弹这首曲子，就是想让他们知道这也是古典音乐的一种表达；再比如出跨界专辑，把古典曲子和流行元素结合，让他们觉得“古典音乐也能这么‘潮’”。
不同市场的接受度并不一样。美国和中国的听众比较开放，能接受跨界；德国、法国就比较传统，他们觉得古典音乐就该在音乐厅里听，不能乱改；英国介于两者之间，对跨界的接受度还可以。我新出的《钢琴书2》里，既有纯古典的曲子，也有跨界改编的作品，就是为了满足不同观众的需求。
上观新闻：您在做跨界尝试的时候，会不会担心丢了古典音乐的本色？毕竟有些跨界作品会被质疑“不纯粹”。
郎朗：肯定会担心，但我有自己的底线：不管怎么跨界，都不能丢了古典音乐的根本。比如改编电影插曲，我会尽量往经典风格上靠，让它既有流行的流畅性，又有古典的厚重感；再比如和流行歌手合作，我会要求他们的演唱风格不能太“俗”，要能和古典钢琴的音色匹配。
其实我对艺术是比较保守的，虽然想法多，喜欢尝试新东西，但内心还是觉得经典最珍贵。比如我改编曲子，不会把贝多芬的《命运》改成电子乐，因为那样就丢了曲子里的力量感；也不可能把《梁祝》改成摇滚，因为那样就没了中国音乐的意境。就像制表，要么是纯传统的机械表，要么是纯智能的电子表，没人会喜欢“半机械半智能”的，因为丢了各自的本色。古典音乐也一样，跨界可以，但不能不伦不类，得守住根本，才能让更多人真正喜欢上古典音乐，而不是只图个新鲜。
上观新闻：您之前说“未来会更偏向纯古典音乐”，这是不是意味着您会减少跨界尝试？
郎朗：长远来看，我还是会更偏向纯古典音乐，因为这是我的根。我弹了这么多年古典音乐，它已经融入我的血液里了。而且我觉得，古典音乐的魅力，最终还是要在音乐厅里才能完全展现——比如听贝多芬的《第九交响曲》，只有在音乐厅里，才能感受到那种震撼的力量；听肖邦的《夜曲》，只有在安静的环境里，才能听懂曲子里的温柔。
但我不会完全停止跨界尝试，因为时代在变，古典音乐也得跟着变。比如AI技术，我们可以用它来做配器、做改编，但不能用它来替代演奏；比如流媒体，我们可以用它来传播古典音乐，但不能用它来替代现场演出。尝试新东西不是为了讨好市场，而是为了找到古典音乐和当代生活的结合点，让它能被更多人接受，能传承下去。就像我在西岸演奏《爱乐之城》，不是为了炒作，而是为了让大家知道，古典音乐可以在街头，可以在江边，可以在任何地方，只要有人愿意听，有人愿意弹，它就能活下去。
本色之美跨越国界
上观新闻：如今AI技术发展迅猛，不少人讨论它对古典音乐的影响，有人认为影响甚微，也有人担忧它会颠覆作曲与演奏模式。从专业视角看，它究竟会给古典音乐带来怎样的改变？
郎朗：AI的能力已经很明显了，它完全能独立作曲，这是毋庸置疑的。但要说取代演奏者，目前来看可能性不大，未来也很难。大家还是愿意看现场演奏，那种人与人之间的情感共鸣、指尖传递的细微情绪，是AI模拟不出来的——现场感是古典音乐的灵魂之一，这点没法替代。
不过，AI确实能帮上大忙，尤其是在改编、配器这些环节。比如，把一首钢琴曲改成协奏曲，或者给旋律做交响乐化处理、拆分声部，AI能做得又快又精准。之前我试过用AI做配器，效率比人工高很多，对我们来说是很好的辅助工具。
但也得警惕，别让AI“帮太多”，要是连改编、作曲的工作都被它包揽了，很多从业者可能就没饭吃了，尤其是做幕后创作的人，风险会更大。好在，对演奏者来说，只要还有人愿意走进音乐厅，我们的价值就还在。另外，AI也能帮着提升音乐素养，比如给学生做基础乐理讲解、模拟不同风格的演奏，这些都是积极的一面。
上观新闻：其实，古典音乐的推广始终面临“门槛”问题。在您看来，该如何打破这个门槛，让人们愿意主动靠近古典音乐？
郎朗：推广古典音乐确实有难度，它不是没有门槛，只是很多人把门槛想高了。我以前觉得，好的演奏能让人一听就被打动，根本不需要门槛，但后来发现不是这样——尤其是对从没接触过古典音乐的人来说，里面的西方文化背景、复杂的曲式结构，确实需要一点“入门指南”。就像听中国传统音乐，你得知道《二泉映月》背后阿炳的故事，才能更懂曲子里的悲怆；听贝多芬的《命运》，得稍微了解他苦难的经历，才会明白“命运敲门”的力量。不用懂多深，哪怕只知道一点背景，听的时候感受就会不一样。
其实听中国的古典音乐作品，是打破门槛的好办法。比如《牧童短笛》《梁祝》，旋律里有中国人熟悉的意境，一听就有亲切感。而且中国曲子大多不长，结构也没那么复杂，很适合现在的流媒体传播——大家刷手机的时候，一两分钟就能听完一首，不会觉得枯燥。我之前做了个“中国play list”，把《春节序曲》和《功夫熊猫》里的中国风配乐都放进去，播放量比我预想的高很多。很多年轻人留言说“原来古典音乐也能这么好听”，这说明不是年轻人不喜欢，而是没找到让他们听得懂、有共鸣的方式。
上观新闻：您一直在推动中国古典音乐走向国际，前段时间您还尝试演奏了《笑傲江湖》和《梁祝》。现在国际市场对中国古典音乐的接受度如何？有没有遇到过文化差异带来的挑战？
郎朗：现在接受度越来越高了，走势是好的。最明显的是民族乐团，他们去欧洲演出，票房有时候比中国交响乐团还好。为什么？因为民族乐团的音乐是“纯原浆”的——二胡的婉转、琵琶的清脆，都是最地道的中国声音，外国人一听就知道这是中国的音乐，反而容易被吸引。但如果把中国音乐改成交响乐，有时候会显得不伦不类，比如用小提琴模仿二胡的音色，反而丢了原本的韵味，外国人也“get”不到其中的妙处。
用钢琴弹中国曲子也一样，得保留“中国味”。我每年都会出一两首中国曲子的单曲，去年的《雪花》和改编版《摇篮曲》都很简单，没加复杂的和声。因为中国音乐像水彩画，讲究的是意境和留白，要是用油画的技法去“堆色彩”，加太多和声，反而会盖住原本的韵味。比如《牧童短笛》，旋律特别简单，但里面有江南水乡的灵气，外国人也能感受到那种“田园感”。所以关键不是要迎合西方，而是要把中国音乐的本色做好，本色里的美，是能跨越文化差异的。
音乐种子已经种下
上观新闻：您之前说“一天不弹琴就像没吃饭、没洗澡”，对您来说，音乐已经超越了职业的范畴，成了生活的一部分。能具体说说，音乐对您的人生意味着什么吗？
郎朗：音乐对我来说，是精神养分，是情感寄托，也是人生目标。我小时候每天要练琴8个小时，很辛苦，但我从来没觉得累，因为我喜欢。后来成了职业钢琴家，去世界各地演出，见过很多人、听过很多故事，但不管走到哪里，只要有钢琴，我就觉得踏实。
比如我在国外演出，有时候会想家，这时候弹一首《梁祝》，就会觉得特别亲切；有时候遇到不开心的事，弹一首巴赫的曲子，心情就会平静下来。音乐就像我的朋友，不管我开心还是难过，它都能陪着我。而且，通过音乐，我认识了很多志同道合的人，感受到了很多不同的文化，这些都让我的人生变得更丰富，更有厚度，我要做的是终身的“音乐旅人”。
上观新闻：对于“郎朗音乐世界”的未来，您有怎样的规划？它能够给上海、给中国的古典音乐教育带来什么？
郎朗：我们要做的是把这里打造成“古典音乐人才的摇篮”——和全球最好的音乐学院合作，比如茱莉亚音乐学院、柯蒂斯音乐学院，把它们的教学理念、教学方法引进来，让学员能接受到最专业的教育；还要给学员提供更多舞台机会，比如让他们去维也纳金色大厅演出，去参加国际钢琴比赛，让他们能走向世界，成为中国古典音乐的“新一代传承人”。
上海是一座有音乐底蕴的城市，古典音乐市场特别好，观众也特别懂音乐。我希望“郎朗音乐世界”能成为上海的一张“音乐名片”，让更多人因为这里而喜欢上古典音乐，让上海成为中国古典音乐的中心。更希望能通过这里，培养出更多优秀的年轻钢琴家，让中国的古典音乐能传承下去，能走向世界，让更多人听到中国的声音。
我一直相信芝麻配资，古典音乐不是“老古董”，它是活的，是能融入当代生活的。只要我们愿意尝试，愿意坚守，就一定能让它在这个时代里，绽放出不一样的光彩。就像今天在西岸，江风、灯光、旋律交织在一起，我知道，古典音乐的种子已经在这里种下了，未来一定会开出美丽的花。
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